{"title":"Oeuvres Autres artistes","description":"","products":[{"product_id":"mendjisky-new-york","title":"New York (2009) - Serge Mendjisky","description":"\u003cdiv class=\"classified-comment classified-comment-visible\"\u003e\n\u003cdiv class=\"classified-description hidden-xs\"\u003e\n\u003cmeta charset=\"UTF-8\"\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSerge Mendjisky — New York Composition, 2008\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eTirage limité 3\/8 — Impression digitale sur toile\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eCertificat délivré par Mendjisky\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eSignée à la main\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAvec \u003cem\u003eNew York Composition\u003c\/em\u003e, Serge Mendjisky capte toute l’énergie vibrante et le rythme architectural de Manhattan à travers sa technique singulière de collage photographique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ partir de centaines de tirages argentiques, minutieusement découpés puis recomposés bande par bande, l’artiste reconstruit la ville comme une partition visuelle. L’iconique Flatiron Building, les rues animées et les fragments du quotidien se mêlent dans une composition urbaine dynamique, presque musicale.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette œuvre illustre parfaitement la maîtrise de Mendjisky dans l’art de déconstruire l’image pour mieux recréer l’espace. En jouant avec la perspective, la lumière et le mouvement, il transforme la réalité en une expérience visuelle poétique, entre photographie et peinture, mémoire et vibration.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSerge Mendjisky (1929–2017) a été exposé dans de nombreux musées et galeries en Europe et aux États-Unis. Ses œuvres figurent également dans plusieurs collections prestigieuses.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUne opportunité rare d’acquérir une œuvre emblématique de Mendjisky, à la fois urbaine, architecturale et profondément contemporaine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails de l’œuvre\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eArtiste : Serge Mendjisky\u003cbr\u003eTitre : \u003cem\u003eNew York Composition\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003eAnnée : 2008\u003cbr\u003eTechnique : impression digitale sur toile\u003cbr\u003eÉdition : tirage limité 3\/8\u003cbr\u003eCertificat : signé par Mendjisky\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 97 × 130 × 3 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 103 × 136 × 5 cm\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57937433821516,"sku":null,"price":20800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/Serge-MENDJISKY-New-1762440319_jpg.webp?v=1782850109"},{"product_id":"jerusalem-ii2011","title":"Jérusalem II (2011) - Serge Mendjisky","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eSerge Mendjisky — Jérusalem II, 2011\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003ePhotographie — Tirage pigmentaire sur toile — Œuvre originale, édition 1\/8\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eCertificat délivré par Mendjisky\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003eSignature en bas à droite\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAvec \u003cem\u003eJérusalem II\u003c\/em\u003e, Serge Mendjisky poursuit son exploration singulière de la ville à travers la décomposition et la recomposition de l’image. Fidèle à sa vision héritée du cubisme, l’artiste transforme le paysage urbain en une construction visuelle rythmée, où les lignes, les volumes, la lumière et les couleurs dialoguent dans une nouvelle perception de l’espace.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ travers sa technique de collage photographique, Mendjisky ne cherche pas seulement à représenter Jérusalem, mais à en révéler la profondeur, la mémoire et l’intensité. Les fragments recomposés créent une œuvre à la fois architecturale et poétique, où la ville semble vibrer entre réalité, souvenir et mouvement.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eMarqué par l’idée que la photographie pouvait prolonger l’héritage du cubisme, Serge Mendjisky a développé une œuvre profondément originale, à la frontière entre photographie, peinture et construction spatiale. Ses compositions urbaines invitent le regard à se déplacer, à recomposer l’image et à redécouvrir la ville sous un angle nouveau.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLes œuvres de Serge Mendjisky figurent dans de nombreuses collections publiques et privées, notamment au Musée d’Art Moderne de Paris, au Philadelphia Museum of Art et au Musée des Beaux-Arts Pouchkine de Moscou.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eUne œuvre rare et emblématique, témoignant de la maîtrise de Mendjisky dans l’art de réinventer le paysage urbain à travers la photographie.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails de l’œuvre\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eArtiste : Serge Mendjisky\u003cbr\u003eTitre : \u003cem\u003eJérusalem II\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003eAnnée : 2011\u003cbr\u003eTechnique : photographie, tirage pigmentaire sur toile\u003cbr\u003eÉdition : œuvre originale, 1\/8\u003cbr\u003eCertificat : délivré par Mendjisky\u003cbr\u003eSignature : en bas à droite\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 100 × 184 × 2 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 106 × 188 × 5 cm\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57937444208972,"sku":null,"price":29000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/IMG_4032_0f4e00f0-2edc-4435-9e4d-f0759c688efb.jpg?v=1782850795"},{"product_id":"brooklyn-bridge-tony-soulie","title":"Brooklyn Bridge (2012) - Tony Soulié","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eTony Soulié - Brooklyn Bridge, 2012\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eŒuvre originale\u003cbr\u003eTechnique mixte sur photographie\u003cbr\u003eDimensions : 125 × 175 × 5 cm\u003cbr\u003eSignée en bas à droite\u003cbr\u003eExcellent état\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNé à Paris en 1955, Tony Soulié est un photographe, peintre, sculpteur et graveur français, considéré comme l’une des figures majeures de l’art contemporain.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDepuis 1976, il parcourt le monde, des États-Unis au Chili, du Ghana à la Corée du Sud jusqu’à l’Australie, nourrissant son œuvre de l’énergie des paysages, des villes et des cultures qu’il rencontre. Ses voyages constituent une source essentielle de son langage artistique, où l’image devient à la fois mémoire, matière et territoire d’émotion.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’art de Soulié se caractérise par la fusion des disciplines : ses photographies ne sont pas de simples images, mais des compositions poétiques, transformées par l’ajout de pigments, de matières et de gestes picturaux. Ce procédé confère à chaque œuvre une patine unique — sa signature inimitable — et crée un dialogue puissant entre photographie et peinture.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDans \u003cstrong\u003eBrooklyn Bridge\u003c\/strong\u003e, réalisée en 2012, Tony Soulié revisite l’un des symboles les plus emblématiques de New York. Le pont de Brooklyn, photographié dans toute sa dimension architecturale, devient ici le point de départ d’une composition à la fois urbaine, abstraite et vibrante. La structure du pont se mêle à des aplats de gris, des touches d’ocre, de brun et de rouge, créant une tension subtile entre la rigueur architecturale de la ville et la liberté du geste pictural.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe rouge profond qui traverse la partie basse de l’œuvre apporte une intensité visuelle presque cinématographique, tandis que les pigments et les traces de matière viennent troubler la lecture photographique pour lui donner une dimension plus sensible et onirique. L’image urbaine devient alors une surface vivante, traversée par la mémoire du lieu, le mouvement et l’émotion.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ travers cette œuvre, Tony Soulié ne représente pas seulement New York : il en restitue l’énergie, la vibration et la puissance symbolique. \u003cstrong\u003eBrooklyn Bridge\u003c\/strong\u003e incarne parfaitement son approche, entre réalité et abstraction, photographie et peinture, paysage urbain et voyage intérieur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Tony Soulié\u003cbr\u003eTitre : Brooklyn Bridge\u003cbr\u003eAnnée : 2012\u003cbr\u003eType d’œuvre : Œuvre originale\u003cbr\u003eCatégorie : Peinture\u003cbr\u003eTechnique : Technique mixte sur photographie\u003cbr\u003eSignature : Signée en bas à droite\u003cbr\u003eDimensions : 125 × 175 × 5 cm\u003cbr\u003eÉtat : Excellent\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990234079564,"sku":null,"price":17500.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/A61B0CC6-A2F3-4EE7-A8B1-CADBD7FC6EAF.jpg?v=1783341212"},{"product_id":"find-your-passion-2018-mr-brainwash","title":"Find your passion (2018) - Mr Brainwash","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eMr Brainwash — Find Your Passion, 2018\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eŒuvre originale unique\u003cbr\u003eNéon et acrylique sur miroir encadré\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 94 × 94 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 95 × 95 × 6 cm\u003cbr\u003eSignée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat délivré par Bel Air Fine Art\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThierry Guetta, connu sous le nom de \u003cstrong\u003eMr Brainwash\u003c\/strong\u003e, est l’une des figures emblématiques du street art contemporain. Son univers mêle culture pop, références urbaines, messages positifs et esthétique spectaculaire, dans une approche immédiatement reconnaissable.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRéalisée en 2018, \u003cstrong\u003eFind Your Passion\u003c\/strong\u003e incarne parfaitement l’esprit de l’artiste. L’œuvre associe la lumière du néon, l’éclat du miroir et la force expressive de la peinture acrylique. Le message lumineux, à la fois simple et puissant, invite le spectateur à suivre son élan intérieur, sa créativité et son désir de liberté.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe miroir encadré apporte une dimension interactive à l’œuvre : le regardeur se reflète dans la composition et devient partie intégrante du message. La lumière colorée du néon dialogue avec les coulures de peinture et transforme l’œuvre en une présence vivante, vibrante, presque performative.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ travers cette pièce unique, Mr Brainwash poursuit son exploration d’un art accessible, énergique et profondément optimiste. \u003cstrong\u003eFind Your Passion\u003c\/strong\u003e ne se limite pas à une phrase : c’est une déclaration visuelle, un manifeste lumineux sur la passion, l’audace et la puissance créatrice.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar son format carré, son intensité chromatique et son jeu entre lumière et reflet, cette œuvre s’impose comme une pièce forte, idéale pour illuminer un intérieur contemporain, une collection privée ou un espace de caractère.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Mr Brainwash\u003cbr\u003eNom de l’artiste : Thierry Guetta\u003cbr\u003eTitre : Find Your Passion\u003cbr\u003eAnnée : 2018\u003cbr\u003eType d’œuvre : Œuvre originale unique\u003cbr\u003eCatégorie : Peinture \/ œuvre lumineuse\u003cbr\u003eTechnique : Néon et acrylique sur miroir encadré\u003cbr\u003eSignature : Signée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat : Délivré par Bel Air Fine Art\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 94 × 94 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 95 × 95 × 6 cm\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990320587084,"sku":null,"price":24900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/IMG_4044.jpg?v=1783341466"},{"product_id":"love-2014-liu-bolin","title":"LOVE (2014) - Liu Bolin","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLiu Bolin - LOVE, 2014\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePhotographie\u003cbr\u003eImpression pigmentaire\u003cbr\u003eTirage 10\/10\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 180 × 128 × 1 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 182 × 130 × 5 cm\u003cbr\u003eSignée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003eFacture délivrée par Galerie Paris-Beijing\u003cbr\u003eExcellent état\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNé en 1973, \u003cstrong\u003eLiu Bolin\u003c\/strong\u003e est un artiste contemporain chinois reconnu internationalement pour ses œuvres photographiques et performatives autour du camouflage. Surnommé « l’homme invisible », il se fond dans des décors minutieusement composés afin d’interroger notre rapport à l’image, à la société, à la mémoire et à l’identité.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRéalisée en 2014, \u003cstrong\u003eLOVE\u003c\/strong\u003e est une œuvre d’une grande intensité visuelle et symbolique. Créée dans le cadre d’une collaboration avec \u003cstrong\u003eGuerlain\u003c\/strong\u003e, elle rend hommage à l’amour, à la beauté et à la puissance émotionnelle du parfum. Au cœur d’un décor luxuriant de roses et de flacons, Liu Bolin se dissimule dans l’image aux côtés de son épouse et muse, avec laquelle il pose ici pour la première fois.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa composition, saturée de roses aux nuances de rose, rouge et vert profond, crée un univers floral presque hypnotique. Le corps de l’artiste et celui de sa compagne se confondent avec le décor, disparaissant dans la matière visuelle de l’œuvre. Cette fusion entre les êtres et leur environnement évoque la force du lien amoureux, mais aussi la fragilité de la présence humaine face à la beauté éphémère du monde.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ travers sa technique emblématique du camouflage, Liu Bolin transforme la photographie en performance silencieuse. L’image devient à la fois portrait, paysage intérieur et déclaration poétique. Les roses symbolisent la passion, la tendresse et la mémoire, tandis que les flacons rappellent l’univers du parfum, de l’intime et du souvenir.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLOVE\u003c\/strong\u003e incarne parfaitement la démarche de l’artiste : rendre visible l’invisible. Derrière l’abondance florale et la richesse chromatique, l’œuvre révèle une réflexion profonde sur l’amour, la disparition, la fusion et la trace que les émotions laissent en nous.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar son format monumental, sa beauté décorative et sa dimension conceptuelle, cette œuvre s’impose comme une pièce forte, rare et lumineuse. Elle apporte à toute collection une présence à la fois romantique, contemporaine et iconique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Liu Bolin\u003cbr\u003eTitre : LOVE\u003cbr\u003eAnnée : 2014\u003cbr\u003eType d’œuvre : Multiple 10\/10\u003cbr\u003eCatégorie : Photographie\u003cbr\u003eTechnique : Impression pigmentaire\u003cbr\u003eSignature : Signée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat : Délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 180 × 128 × 1 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 182 × 130 × 5 cm\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990438519116,"sku":null,"price":31000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/IMG_4158.png?v=1783341468"},{"product_id":"the-future-2015-liu-bolin","title":"The Future (2015) - Liu Bolin","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLiu Bolin - The Future, 2015\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePhotographie\u003cbr\u003eImpression pigmentaire\u003cbr\u003eTirage 5\/6\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 90 × 120 × 1 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 93 × 123 × 5 cm\u003cbr\u003eSignée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNé en 1973, \u003cstrong\u003eLiu Bolin\u003c\/strong\u003e est un artiste contemporain chinois reconnu internationalement pour sa technique de camouflage photographique. Surnommé « l’homme invisible », il se fond dans des décors soigneusement composés afin d’interroger la place de l’individu dans la société, la visibilité, l’identité et les grands enjeux du monde contemporain.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRéalisée en 2015, \u003cstrong\u003eThe Future\u003c\/strong\u003e est une œuvre emblématique dans laquelle Liu Bolin disparaît au sein d’une mosaïque vibrante composée des drapeaux des États membres des Nations Unies et des symboles des Objectifs de développement durable. L’œuvre fut créée dans le contexte du lancement des \u003cstrong\u003eGlobal Goals\u003c\/strong\u003e, initiative internationale visant à lutter contre la pauvreté, la faim, les inégalités et la fragilité environnementale.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eVisuellement, l’œuvre frappe par son intensité chromatique. Les drapeaux forment une composition dense, presque architecturale, où les couleurs nationales se mêlent aux icônes universelles du développement durable. Au centre, le corps camouflé de l’artiste devient difficilement perceptible : il est là, mais presque effacé, absorbé par l’image collective du monde.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ travers cette disparition volontaire, Liu Bolin utilise son propre corps comme un outil poétique et politique. Il questionne la tension entre l’individu et les grands systèmes mondiaux, entre présence personnelle et responsabilité collective. L’artiste ne se contente pas de représenter le monde : il s’y intègre, s’y dissout, comme pour rappeler que chaque être humain fait partie d’un équilibre global fragile.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eThe Future\u003c\/strong\u003e évoque ainsi l’espoir, la conscience et l’urgence d’agir. Derrière l’apparente célébration des nations et des couleurs, l’œuvre porte un message profond sur notre avenir commun : protéger la planète, repenser nos modes de vie et reconnaître la responsabilité de chacun face aux défis contemporains.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar son sujet universel, son esthétique puissante et sa dimension conceptuelle, cette photographie s’impose comme une œuvre majeure, à la fois engagée, décorative et muséale. Elle incarne parfaitement la démarche de Liu Bolin : rendre visible l’invisible et transformer l’image en manifeste silencieux pour le monde de demain.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Liu Bolin\u003cbr\u003eTitre : The Future\u003cbr\u003eAnnée : 2015\u003cbr\u003eCatégorie : Photographie\u003cbr\u003eTechnique : Impression pigmentaire\u003cbr\u003eTirage : 5\/6\u003cbr\u003eSignature : Signée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat : Délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 90 × 120 × 1 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 93 × 123 × 5 cm\u003cbr\u003eÉtat : Excellent\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990449529164,"sku":null,"price":29000.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/IMG_4104.jpg?v=1783341465"},{"product_id":"hide-in-the-city-mobile-phones-2012-liu-bolin","title":"Hide in the City, Mobile Phones (2012) - Liu Bolin","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLiu Bolin - Hide in the City, Mobile Phones, 2012\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePhotographie\u003cbr\u003eTirage chromogène - C-print\u003cbr\u003eTirage 2\/8\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 95 × 120 × 3 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 100 × 125 × 6 cm\u003cbr\u003eSignée au verso\u003cbr\u003eCertificat délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNé en 1973, \u003cstrong\u003eLiu Bolin\u003c\/strong\u003e est un artiste contemporain chinois reconnu internationalement pour ses photographies performatives autour du camouflage. Surnommé « l’homme invisible », il se met lui-même en scène dans des environnements minutieusement préparés, jusqu’à disparaître presque entièrement dans le décor.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRéalisée en 2012, \u003cstrong\u003eHide in the City, Mobile Phones\u003c\/strong\u003e appartient à la célèbre série \u003cstrong\u003eHiding in the City\u003c\/strong\u003e, dans laquelle Liu Bolin interroge la place de l’individu dans la société contemporaine. Ici, l’artiste se fond dans un mur saturé de téléphones portables, devenant presque invisible au milieu de cette accumulation d’objets technologiques.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre offre une réflexion puissante sur la communication moderne, la surconsommation et l’effacement de l’identité à l’ère numérique. Les téléphones, disposés en une mosaïque dense et répétitive, créent un paysage visuel à la fois fascinant et oppressant. Au centre, le corps camouflé de Liu Bolin apparaît comme une présence silencieuse, absorbée par le monde technologique qui l’entoure.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ travers cette composition, l’artiste questionne notre rapport aux objets, aux écrans et aux systèmes de communication. Ce qui devait rapprocher les individus semble ici produire une forme d’anonymat, voire de disparition. Liu Bolin transforme ainsi son propre corps en symbole : l’être humain devient presque invisible dans un univers dominé par la technologie, l’image et la consommation.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eHide in the City, Mobile Phones\u003c\/strong\u003e incarne parfaitement la force conceptuelle de son travail. Entre photographie, performance et critique sociale, l’œuvre dépasse la simple image pour devenir un manifeste visuel sur notre époque. Elle met en tension l’individu et la masse, la présence et l’effacement, la connexion et l’isolement.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar sa composition graphique, son sujet universel et sa dimension critique, cette œuvre s’impose comme une pièce emblématique de Liu Bolin. Elle offre une présence forte, contemporaine et engagée, idéale pour une collection sensible aux enjeux de la société moderne et de l’art conceptuel.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Liu Bolin\u003cbr\u003eTitre : Hide in the City, Mobile Phones\u003cbr\u003eAnnée : 2012\u003cbr\u003eCatégorie : Photographie\u003cbr\u003eTechnique : Tirage chromogène — C-print\u003cbr\u003eTirage : 2\/8\u003cbr\u003eSignature : Signée au verso\u003cbr\u003eCertificat : Délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 95 × 120 × 3 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 100 × 125 × 6 cm\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990503760204,"sku":null,"price":20800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/IMG_4140.jpg?v=1783341465"},{"product_id":"hide-in-the-city-chinese-magazines-2012-liu-bolin","title":"Hide in the City, Chinese Magazines (2012) - Liu Bolin","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eLiu Bolin - Hide in the City, Chinese Magazines, 2012\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePhotographie\u003cbr\u003eImpression sur aluminium\u003cbr\u003eTirage 1\/8\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 95 × 120 × 3 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 100 × 125 × 6 cm\u003cbr\u003eSignée au verso\u003cbr\u003eCertificat délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNé en 1973, \u003cstrong\u003eLiu Bolin\u003c\/strong\u003e est un artiste contemporain chinois reconnu internationalement pour ses photographies performatives autour du camouflage. Surnommé « l’homme invisible », il utilise son propre corps comme support artistique, le peignant minutieusement afin de se fondre dans des décors très détaillés.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRéalisée en 2012, \u003cstrong\u003eHide in the City, Chinese Magazines\u003c\/strong\u003e appartient à la célèbre série \u003cstrong\u003eHiding in the City\u003c\/strong\u003e, dans laquelle Liu Bolin interroge la place de l’individu dans la société contemporaine. Ici, l’artiste disparaît presque entièrement au milieu d’un mur de magazines, kiosques visuels saturés d’images, de titres, de couleurs et de messages médiatiques.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre met en scène un univers de presse et de consommation culturelle, où l’abondance des images finit par absorber la présence humaine. Le corps de Liu Bolin, parfaitement camouflé dans le décor, devient difficile à distinguer : il est présent, mais comme effacé par le flux continu de l’information, de la publicité et des représentations contemporaines.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eÀ travers cette composition, l’artiste propose une réflexion puissante sur la société de l’image, la surinformation et l’effacement de l’identité individuelle face aux médias. Les magazines, alignés comme une mosaïque colorée, deviennent à la fois décor, archive et symbole d’un monde saturé de contenus visuels.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eHide in the City, Chinese Magazines\u003c\/strong\u003e incarne pleinement la force conceptuelle de Liu Bolin : rendre visible l’invisible. En disparaissant dans ce paysage médiatique, l’artiste questionne notre rapport à la consommation, à la visibilité sociale et à la place de l’être humain dans un environnement dominé par l’image.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEntre photographie, performance et critique sociale, cette œuvre dépasse la simple représentation. Elle devient un manifeste silencieux sur la présence, l’effacement et la tension entre l’individu et les systèmes collectifs. Par son impact visuel, sa richesse chromatique et sa portée symbolique, elle constitue une pièce forte et emblématique de la démarche de Liu Bolin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’artiste a exposé à New York, Londres, Paris, Pékin, Stockholm et Hong Kong, et a également présenté son travail dans des institutions et événements majeurs tels que le Centre Pompidou, le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden et Art Basel Miami Beach.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Liu Bolin\u003cbr\u003eTitre : Hide in the City, Chinese Magazines\u003cbr\u003eAnnée : 2012\u003cbr\u003eCatégorie : Photographie\u003cbr\u003eTechnique : Impression sur aluminium\u003cbr\u003eTirage : 1\/8\u003cbr\u003eSignature : Signée au verso\u003cbr\u003eCertificat : Délivré par Liu Bolin\u003cbr\u003eDimensions de l’œuvre : 95 × 120 × 3 cm\u003cbr\u003eDimensions encadrées : 100 × 125 × 6 cm\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990523617612,"sku":null,"price":20800.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/IMG_4129_2ab0eddc-f8ee-44a5-a62e-709cfb8d1373.jpg?v=1783342775"},{"product_id":"vase-baccarat-darkside-oups-2005-philippe-starck","title":"Vase Baccarat Darkside Oups! (2005) - Philippe Starck","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003ePhilippe Starck - Vase Baccarat Darkside Oups! - Édition limitée, 2005\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSculpture-volume\u003cbr\u003eCristal Baccarat\u003cbr\u003eÉdition limitée numérotée 158\/300\u003cbr\u003eHauteur : 35 cm\u003cbr\u003eSignée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat délivré par Baccarat\u003cbr\u003eFacture délivrée par Baccarat\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDesigner français majeur né en 1949, \u003cstrong\u003ePhilippe Starck\u003c\/strong\u003e est l’une des figures les plus influentes du design contemporain. Son travail se distingue par une approche à la fois élégante, inventive et volontairement décalée, mêlant exigence formelle, humour subtil et réflexion sur l’objet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCréé en 2005 dans le cadre de la collection \u003cstrong\u003eDarkside\u003c\/strong\u003e de Baccarat, le vase \u003cstrong\u003eOups!\u003c\/strong\u003e illustre parfaitement la rencontre entre le savoir-faire exceptionnel de la maison Baccarat et l’imaginaire audacieux de Philippe Starck.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette pièce joue sur un contraste saisissant : un grand vase en cristal transparent renferme en son centre un petit vase noir, comme suspendu à l’intérieur de la matière. Le dialogue entre transparence et opacité, lumière et ombre, monumentalité et fragilité donne à l’objet une présence à la fois poétique, mystérieuse et légèrement provocatrice.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAvec \u003cstrong\u003eOups!\u003c\/strong\u003e, Starck détourne les codes classiques du vase décoratif. L’objet devient sculpture, illusion visuelle et réflexion sur le contenant lui-même. Le cristal clair, lumineux et sculptural, révèle le vase noir intérieur comme un secret, une apparition ou une ombre précieuse. Cette tension entre pureté et humour, raffinement et surprise, constitue toute la force de l’œuvre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePièce de collection rare et aujourd’hui très recherchée, \u003cstrong\u003eVase Baccarat Darkside Oups!\u003c\/strong\u003e s’impose comme un objet iconique, à la croisée du design, de l’art décoratif et de la sculpture contemporaine. Son édition limitée à 300 exemplaires renforce son caractère exclusif.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar son élégance, sa transparence spectaculaire et son esprit conceptuel, cette œuvre apporte une présence forte et sophistiquée à tout intérieur contemporain ou collection dédiée au design d’exception.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste \/ Designer : Philippe Starck\u003cbr\u003eTitre : Vase Baccarat Darkside Oups! — Édition limitée\u003cbr\u003eAnnée : 2005\u003cbr\u003eCatégorie : Sculpture-volume\u003cbr\u003eTechnique \/ Matière : Sculpture en cristal Baccarat\u003cbr\u003eÉdition : Numérotée 158\/300\u003cbr\u003eSignature : Signée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat : Délivré par Baccarat\u003cbr\u003eFacture : Délivrée par Baccarat\u003cbr\u003eDimensions : 35 cm de hauteur\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990616121676,"sku":null,"price":4890.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/73CF777E-6D51-432F-B0E6-68EAEFFC0624_dcd1259a-94ab-4fcd-86e2-367ae35afdce.png?v=1783343082"},{"product_id":"guarani-ball-2012-romero-britto","title":"Guarani Ball (2012) - Romero Britto","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eRomero Britto — Guarani Ball, 2012\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSculpture-volume\u003cbr\u003eRésine peinte\u003cbr\u003eÉdition limitée numérotée 168\/1400\u003cbr\u003eDimensions : 28 × 23 × 23 cm\u003cbr\u003eSignée en bas à droite\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNé en 1963 au Brésil, \u003cstrong\u003eRomero Britto\u003c\/strong\u003e est un artiste contemporain internationalement reconnu pour son langage visuel joyeux, coloré et immédiatement identifiable. Son univers mêle pop art, cubisme, motifs graphiques et symboles universels tels que le cœur, la fleur, l’étoile ou le sourire. À travers ses œuvres, Britto célèbre l’optimisme, l’amour, l’énergie positive et la joie de vivre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRéalisée en 2012, \u003cstrong\u003eGuarani Ball\u003c\/strong\u003e est une sculpture en résine issue d’une édition limitée. L’œuvre reprend la forme iconique du ballon de football et la transforme en objet d’art pop, vibrant et décoratif. La surface est entièrement animée par les motifs emblématiques de Romero Britto : couleurs franches, lignes noires graphiques, aplats de bleu, vert, jaune et orange, ainsi qu’un grand cœur en relief qui devient le centre visuel de la composition.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCette œuvre célèbre à la fois le sport, la culture populaire et l’univers festif de l’artiste. Le ballon, symbole universel de jeu, de rassemblement et d’émotion collective, est ici réinterprété avec la fantaisie caractéristique de Britto. Les cœurs en relief apportent une dimension sculpturale et affective, transformant l’objet en une pièce à la fois ludique, expressive et immédiatement reconnaissable.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eGuarani Ball\u003c\/strong\u003e s’inscrit dans le lien fort entre Romero Britto et l’univers du football international. L’artiste a notamment été associé à la Coupe du Monde, devenant une figure artistique liée à cet événement mondial. Cette œuvre constitue ainsi une pièce idéale pour les collectionneurs sensibles à l’art contemporain, au design pop et à l’univers du sport.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar son format, son éclat chromatique et son esprit positif, \u003cstrong\u003eGuarani Ball\u003c\/strong\u003e est une œuvre décorative forte, capable d’apporter couleur, énergie et caractère à un intérieur contemporain, une collection privée ou un espace dédié à l’art et au sport.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Romero Britto\u003cbr\u003eTitre : Guarani Ball\u003cbr\u003eAnnée : 2012\u003cbr\u003eCatégorie : Sculpture-volume\u003cbr\u003eTechnique \/ Matière : Résine peinte\u003cbr\u003eÉdition : Limitée, numérotée 168\/1400\u003cbr\u003eSignature : Signée en bas à droite\u003cbr\u003eDimensions : 28 × 23 × 23 cm\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990640795980,"sku":null,"price":2850.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/Romero-BRITTO-Guarani-Ball-1762270294_jpg.webp?v=1783343402"},{"product_id":"guarani-ball-red-2012-romero-britto","title":"Guarani Ball Red (2012) - Romero Britto","description":"\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eRomero Britto — Guarani Ball, 2012\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSculpture-volume\u003cbr\u003eRésine peinte\u003cbr\u003eÉdition limitée numérotée 179\/1400\u003cbr\u003eDimensions : 28 × 23 × 23 cm\u003cbr\u003eSignée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat délivré par Romero Britto\u003cbr\u003eFacture délivrée par Britto\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNé en 1963 au Brésil, \u003cstrong\u003eRomero Britto\u003c\/strong\u003e est un artiste contemporain internationalement reconnu pour son univers coloré, joyeux et immédiatement identifiable. Son langage visuel mêle pop art, cubisme, motifs graphiques et symboles universels, tels que le cœur, la fleur ou l’étoile. À travers ses œuvres, Britto célèbre l’optimisme, l’amour, l’énergie positive et la joie de vivre.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eRéalisée en 2012, \u003cstrong\u003eGuarani Ball\u003c\/strong\u003e est une sculpture en résine issue d’une édition limitée à 1400 exemplaires. L’œuvre reprend la forme iconique du ballon de football et la transforme en objet d’art pop, vibrant et expressif. Sa surface est entièrement animée par les motifs emblématiques de Romero Britto : aplats de couleurs franches, lignes noires graphiques, détails blancs dessinés, pois orange et grands cœurs en relief.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLe cœur rouge placé au centre de la composition devient le véritable point focal de l’œuvre. Il apporte une dimension affective et sculpturale au ballon, transformant un symbole sportif universel en une déclaration visuelle d’amour, de partage et d’énergie collective.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eGuarani Ball\u003c\/strong\u003e s’inscrit dans le lien fort entre Romero Britto et l’univers du football international. L’artiste a notamment été associé à la Coupe du Monde, un événement mondial dont il reprend ici l’esprit fédérateur, festif et universel. Le ballon devient ainsi plus qu’un objet sportif : il devient une sculpture pop, célébrant la rencontre entre art, sport et émotion.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar son format, son éclat chromatique et sa dimension ludique, \u003cstrong\u003eGuarani Ball\u003c\/strong\u003e est une œuvre idéale pour les collectionneurs sensibles à l’art contemporain, au design pop et à l’univers du football. À la fois décorative, joyeuse et immédiatement reconnaissable, elle apporte couleur, caractère et énergie à un intérieur contemporain ou à une collection privée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste : Romero Britto\u003cbr\u003eTitre : Guarani Ball\u003cbr\u003eAnnée : 2012\u003cbr\u003eCatégorie : Sculpture-volume\u003cbr\u003eTechnique \/ Matière : Résine peinte\u003cbr\u003eÉdition : Limitée, numérotée 179\/1400\u003cbr\u003eSignature : Signée en bas à droite\u003cbr\u003eCertificat : Délivré par Romero Britto\u003cbr\u003eFacture : Délivrée par Britto\u003cbr\u003eDimensions : 28 × 23 × 23 cm\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"sjgalerie.com","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":57990849003852,"sku":null,"price":2850.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/Romero-BRITTO-Guarani-Ball-1762269921_jpg.webp?v=1783343556"},{"product_id":"ninurta-vase-ettore-sottsass-x-baccarat","title":"Ninurta Vase - Ettore SOTTSASS x Baccarat","description":"\u003ch3\u003eVase \u003cstrong\u003eNinurta\u003c\/strong\u003e — Ettore Sottsass x Baccarat\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eÉdition limitée 28\/49\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eCréé en 2002 par \u003cstrong\u003eEttore Sottsass\u003c\/strong\u003e pour la maison \u003cstrong\u003eBaccarat\u003c\/strong\u003e, le vase \u003cstrong\u003eNinurta\u003c\/strong\u003e incarne parfaitement l’univers radical, graphique et architectural du designer italien. Réalisé en \u003cstrong\u003ecristal coloré ambre et cobalt\u003c\/strong\u003e, il se distingue par une construction géométrique forte, presque totémique, où les volumes superposés dialoguent avec la transparence et l’intensité de la couleur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa base en cristal bleu cobalt apporte profondeur et stabilité visuelle, tandis que la partie centrale ambrée capte la lumière avec une présence chaleureuse et sculpturale. Le plateau supérieur, plus aérien, équilibre l’ensemble et donne à l’objet une dimension à la fois fonctionnelle et artistique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEntre \u003cstrong\u003eobjet de design, sculpture et pièce de collection\u003c\/strong\u003e, \u003cstrong\u003eNinurta\u003c\/strong\u003e témoigne de la collaboration rare entre l’audace formelle de Sottsass et le savoir-faire exceptionnel de Baccarat. Son tirage limité à \u003cstrong\u003e49 exemplaires\u003c\/strong\u003e en fait une œuvre recherchée par les collectionneurs de design contemporain et de cristal d’exception.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cstrong\u003eDétails\u003c\/strong\u003e\u003cbr\u003eCréateur : Ettore Sottsass\u003cbr\u003eÉditeur \/ fabricant : Baccarat, Paris\u003cbr\u003eAnnée : 2002\u003cbr\u003eÉdition limitée : 28\/49\u003cbr\u003eMatériaux : cristal coloré ambre et cobalt\u003cbr\u003eDimensions : H 34 cm — diamètre 20 cm\u003cbr\u003eType : objet design \/ vase de collection\u003c\/p\u003e","brand":"SJgalerie","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":58007073915212,"sku":null,"price":19900.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/1044\/1293\/8572\/files\/2-fridges-image-4-ettore-sottsass-ninurta.jpg?v=1783456315"}],"url":"https:\/\/www.sjgalerie.com\/collections\/oeuvres-autres-artistes.oembed","provider":"SJgalerie","version":"1.0","type":"link"}